DIFERENTES TIPOS DE CAMARA

CÁMARA DE VISOR DIRECTO: son cámaras muy sencillas. Se ve el sujeto a través de un visor, su enmarcado ayuda a compensar cualquier error que se pudiera producir en el encuadre. Muchas de estas cámaras son de poco peso y de fácil manejo, pero estas no son apropiadas para primeros planos o para sujetos en movimiento, no deben utilizarse con poca luz y su objetivo no es intercambiable. - Tamaños de película: 110, 126, 135, 120.

CÁMARA CON TELÉMETRO: es una cámara de visor directo, pero con mandos más avanzados que suelen incluir un exposímetro. El telémetro mide la distancia a la que se encuentra el sujeto para un mejor enfoque. El sistema de enfoque del objetivo funciona en combinación con el telémetro del visor, de forma que si se ve una imagen doble o rota en éste hay que girar el mando de enfoque hasta que ambas imágenes coincidan en una sola. Son muy fáciles de manejar y suelen ofrecer una amplia gama de velocidades de obturación adecuadas para la mayoría de las condiciones de luz. Casi todas admiten películas de 35 mm. La mayoría poseen objetivos fijos, por lo que no sirven para primeros planos y la imagen del visor aunque nítida, es pequeña. - Tamaños de película: 110, 135, 120, 220.

CÁMARA REFLEX DE UN SOLO OBJETIVO (SRL), 35 mm: ofrece el sistema de visor más eficaz. Un espejo, con una inclinación de 45º, detrás del objetivo, dirige la luz hacia arriba a una pantalla de enfoque, lo cual elimina los errores de encuadre. Estas cámaras tienen un gran surtido de accesorios. El obturador de plano focal, está incorporado al cuerpo de la cámara, permite cambiar el objetivo sin peligro de velar la película. Una reflex de un solo objetivo es de fácil enfoque, pero son más pesadas y más complejas que las de visor directo, suelen ser más costosas y delicadas. - Tamaño de película: 135 (hay unas cámaras muy parecidas que llevan películas de 110).

CÁMARA CUADRADA REFLEX DE UN SOLO OBJETIVO: tienen los visores arriba, por lo que hay que colocarlas a la altura de la cintura, pero muchas admiten pentaprismas u otros visores. La mayoría producen negativos de 6 x 6 cm. Los modelos que producen los negativos rectangulares sólo se pueden utilizar para hacer fotos verticales si tienen pentaprisma. El negativo al ser mayor, da una mejor calidad que el de 35 mm. Es más fácil ver el detalle en la pantalla del visor. La mayoría de los modelos tienen cartuchos o insertadores de películas intercambiables, lo que permite cargar la máquina muy de prisa. Algunas tienen el obturador incorporado en el objetivo y se sincronizan con el flash a cualquier velocidad. - Tamaños de película: 6 x 6 cm, 6 x 7 cm, 4,5 x 6 cm, 70 mm de doble perforación.

CÁMARAS "POCKET" O 110: Al contrario que las anteriores, estas cámaras están pensadas para aficionados y caben fácilmente en un bolsillo. Suelen estar equipadas con un objetivo de foco fijo de 25 mm. Un ejemplo clásico es la Kodak Pocket Instamatic. Todas llevan película en rollo de 16 mm., alojada en un pequeño chasis con dos núcleos, proporcionan 12, 18 ó 20 fotogramas 13x17 mm., correspondientes al código de película denominado 110. Cada día son más raras, ya que su nicho comercial está siendo ocupado por las APS y las de visor directo

Cámaras APS: Las cámaras APS (Advanced Photo System) son el resultado del acuerdo adoptado por varios fabricantes mundiales (entre otros Canon, Agfa, Polaroid, Kodak, Fuji y Nikon) para conseguir simplificar el funcionamiento de las cámaras fotográficas para los usuarios inexpertos y además introducir mejoras sustanciales frente a las comunes cámaras compactas de 35mm. Entre otras cosas, estas cámaras disponen de indicadores de estado, permiten sacar fotografías de tres formatos (clásico, alta definición y panorámico), permiten el cambio de película a medio uso, etc.

Cámaras réflex SLR: Una cámara réflex SLR (Single Lens Reflex) es una cámara fotográfica en la cual la imagen que ve el fotógrafo a través del visor es exactamente la misma que quedará capturada. Ello se consigue mediante el reflejo de la imagen (de ahí el nombre) sobre un espejo o sistema de espejos. Al igual que las cámaras compactas, pueden ser cámaras tradicionales de película fotográfica o digitales (DSLR).

Éstas suelen ser las cámaras preferidas por los fotógrafos aficionados y profesionales ya que permiten un control casi absoluto sobre cada uno de sus elementos y parámetros y disponen de multitud de accesorios intercambiables para distintos propósitos. En general poseen las siguientes características:

Visor réflex o de pentaprisma, que permite ver exactamente lo que se ve a través del objetivo.
Objetivos intercambiables.
Fotómetro o exposímetro incorporado.
Zapata de conexión para flash externo.
Control (anillo) de enfoque manual.
Obturadores muy rápidos.
Cámaras digitales:
Artículo principal: Cámara digital
Una cámara digital es un dispositivo electrónico usado para capturar y almacenar fotografías electrónicamente en lugar de usar películas fotográficas como las cámaras convencionales.
Otros tipos menos habituales:

href="http://es.wikipedia.org/wiki/C%C3%A1mara_TLR">Cámara TLR (Twin Lens Reflex): es una cámara réflex de objetivos gemelos (uno encima de otro) que intenta solventar el principal problema del visor réflex, el que no se pueda ver la imagen durante el disparo (ya que el espejo que la conduce se abate para dejar pasar la luz hacia la película fotográfica o el sensor de imagen). Para ello monta dos objetivos: uno para tomar la foto y otro para conducir la imagen hacia el visor. Debido a esta configuración, adolecen del error de paralaje y de inversión lateral de la imagen en el visor, por lo que hay que acostumbrarse a usarlas sobre todo para realizar fotografías de objetos en movimiento. Son cámaras en desuso y muy pocas tienen objetivos intercambiables. Además habría que comprar dos objetivos para cada distancia focal.

Cámara de estudio o de banco: Aquellas que están montadas sobre bancos ópticos y raíles para permitir todo tipo de descentramientos, basculando los paneles delantero y trasero; lo cual da un control absoluto sobre la forma de la imagen, su perspectiva y el reparto de la profundidad de campo.

Cámara miniatura: Son las cámaras de fabricación en serie más pequeñas. Suelen tener formatos absolutamente particulares, especiales y su uso es, principalmente, la de actuar como cámaras espía. Estas cámaras suelen ser absolutamente automáticas careciendo de cualquier tipo de control aparte del disparador. Aunque existen cámaras de este tipo con película fotográfica (películas especiales de 16mm. de anchura), actualmente la mayoría de estas cámaras son cámaras digitales ya que ofrecen mayores posibilidades de miniaturización.
Cámara panorámica: que proporcionan un ángulo de visión superior sin deformaciones.
Cámara aérea: cámaras de satélites, fotogametría y cartografía.
Cámara subacuática: específicamente diseñadas para trabajar bajo el agua a gran profundidad.
Cámara estereoscópica: que intentan reproducir el funcionamiento de los dos ojos humanos (dos fotos simultáneas desde dos puntos separados 63mm con las que luego se puede reproducir la visión estéreo con un visor especial.

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AUTORES IMPORTANTES DE LA FOTOGRAFIA

GRACIELA ITURBIDE

Graciela Iturbide nació el 16 de mayo de 1942 en la Ciudad de México.
En 1969, inicia sus estudios en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México, lugar donde comienza su carrera en el mundo de la imagen, al realizar una película sobre la vida y obra de José Luis Cuevas.
El maestro oaxaqueño Manuel Álvarez Bravo, de quien fue alumna y asistente, y de quien aprendió mucho durante sus salidas de campo a tomar fotos, constituyó una figura importante en la vida de Graciela. Trabajar con él en el cuarto de revelado, verlo trabajar, le abrió una nueva perspectiva del mundo y de cómo mirarlo
Su obra se caracteriza por imágenes que muestran una gran sencillez, donde retratar significa participar de la vida de las personas, así como del ritmo y calidez de su gente y tradiciones.
Graciela Iturbide, ha recibido varios reconocimientos entre los que destacan el premio Eugene Smith, que le fue otorgando en 1968, su reportaje Médicos sin fronteras, y en 1988 es galardonada con el gran premio del mes de la fotografía en París. De igual forma, fue miembro del Consejo Mexicano de Fotografía, gracias a su trabajo titulado Recuerdo de la infancia.
Es autora de varios libros, entre los que destacan Los que viven en la arena (1981) y Juchitán de las mujeres (1989). Las exposiciones de su obra han cruzado el Atlántico, en salas como el Museo de Arte Contemporáneo de Madrid o en festivales internacionales, como el celebrado en Arlés en 1979.
Sus trabajos pronto se encaminaron a plasmar la realidad de los pueblos indígenas de México, especialmente en todo aquello que rodea a la mujer en sus costumbres cotidianas, dotando a sus fotografías de una atmósfera particular que le acerca al Realismo mágico.

JULIA MARGARET CAMERON
Considerada una gran excéntrica de la fotografía. Nació en Ceylan el 11 de Junio de 1815 en Calcuta (India), en el seno de una familia de diez hermanos. Hija de escocés y francesa pertenecientes a la sociedad bengalí fue educada en Francia hasta los 19 años, donde regresó de nuevo a la India.
A los 21 años conoció a Sir. John. Herschel quien más tarde implantó los términos (positivo - negativo y fotografía), y autor del descubrimiento de las propiedades del tío sulfito como fijador. Siendo Sir. John Herschel el asesor fotográfico de Cameron.
Casada con un hombre veinte años mayor que ella, excelente jurista y plantador de té, vivió en la India hasta los treinta y tres años, depués se trasladó con toda su familia a la Isla de Wight, en Inglaterra.
Tuvo seis hijos y otros adoptados, por este motivo vivía en un gran caserón, que siempre se encontraba lleno de poetas, artistas y científicos de la época victoriana.
Cuando contaba ya con cuarenta y ocho años, y a causa de un viaje de su marido, su hermana la regaló una cámara para paliar la soledad por la ausencia de su marido.
Este hecho tuvo un fuerte impacto en Julia que la hizo dedicarse plenamente a la fotografía.
Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio, y se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo debido a las investigaciones que llevaba a cabo con la luz y las placas.
Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.
Henry uno de sus tres hijos abrió un estudio fotográfico en Londres. En 1863 su hija le regaló su primera cámara fotográfica construida en madera con un objetivo de la marca Jamin y equipo de revelado, gracias a la asistencia de John Herschel en pocos meses domino el proceso al colodión.
Margaret Cameron, falleció en 1879.



NICÉPHORE NIEPCE
Nicéphore Niepce científico, inventor y fotógrafo francés, nació en el año 1765 y murió en 1833, fue el inventor junto a su hermano de un motor para barco y junto a Daguerre de la fotografía.
Interesado en la litografía empezó realizando copias de obras de arte utilizando los dibujos realizados para la plancha por su hijo. Cuando en el año 1814 su hijo se alistó en el ejército, tuvo la genial idea de tratar de poner en relación la cámara oscura junto con las sales de plata sensibles a la luz para tratar de conseguir imágenes fijas.
Empezó utilizando la piedra como soporte para fijar las imágenes, aunque desistió pronto por los grandes problemas que acarreaba. Siguió entonces con el papel, luego con el cristal y, por último, con diversos metales como el estaño, el cobre, el peltre, entre otros.
Obtuvo las primeras imágenes fotográficas de la historia en el año 1816, aunque ninguna de ellas se ha conservado. Eran fotografías en papel y en negativo, pero no se dio cuenta de que éstos podían servir para obtener positivos, así que abandonó esta línea de investigación.
Descubre la primera Heliografía
Un par de años después, ya en el 1818, obtiene imágenes en positivo sacrificando de este modo las posibilidades de reproducción de las imágenes, por ser las únicas imágenes obtenidas

Al procedimiento lo llamó la Heliografía (que significa lo mismo que Fotografía), distinguiendo entre heliograbados y reproducciones de grabados ya existentes. Realizada unos diez años después de que consiguiera las primeras imágenes, recoge un punto de vista de una calle fijado sobre una placa de metal. Necesitó 2 horas de tiempo de exposición de la placa a la luz.
Más tarde y causa de una apoplejía sufrida en su estudio de Saint Loup de Varennes falleció el día 5 de julio de 1833, a los sesenta y ocho años, siendo enterrado en el cementerio del pueblo.
Gracias a la publicación en el año 1841 de la obra de su hijo Isidore Niépce, titulada Historia del descubrimiento del invento denominado daguerrotipo, se pudo aclarar su papel en la historia del descubrimiento de la fotografía, ante las maniobras realizadas por Daguerre para ocultar sus trabajos.


ALBERTO GARCÍA ALIX
Alberto García-Alix (n. León, 1956) es uno de los fotógrafos más representativos de la escena artística española de las últimas décadas y un artista que ha plasmado su vida a partir de retratos de la vida de los demás. Ganador del Premio Nacional de Fotografía en 1999 y uno de los protagonistas destacados de la llamada Movida Madrileña.




MARCEL DUCHAMP
(Blainville, Francia, 1887-Neuilly, id., 1968) Artista francés nacionalizado estadounidense. El más joven de seis hermanos, cuatro de los cuales seguirían así mismo la carrera artística (de ellos fueron especialmente notorios los dos mayores, Jacques y Raymond), recaló en París a la edad de diecisiete años. En su faceta como pintor, que hubo de simultanear con el trabajo de caricaturista, pasó rápidamente por todas las tendencias artísticas en boga –impresionismo, postimpresionismo, fauvismo, cubismo– sin comprometerse con ninguna; este afán experimentador e inquieto iba a ser una de las constantes de su fecunda trayectoria.
En 1912 presentó su Desnudo bajando una escalera, n.º 2, obra personalísima en la que aunó elementos cubistas con futuristas y sus propias inquietudes sobre la representación del movimiento. La pintura fue rechazada por el Salón de los Independientes y tuvo que esperar un año para ser expuesta, esta vez en el Armory Show de Nueva York, donde fue recibida con tanto entusiasmo como sorpresa.
Tras realizar unos pocos cuadros más, abandonó la pintura, en lo que iba a ser un giro permanente en su trayectoria. En 1913 inició los estudios preparatorios para la obra El gran vidrio, o la novia desnudada por sus pretendientes, una especie de síntesis entre pintura y escultura de radical originalidad. Durante esa misma época realizó sus primeros ready-made, esto es, objetos cualesquiera sometidos a muy escasa y en ocasiones nula alteración material, elevados a la categoría de arte por la mera voluntad del artista. Uno de ellos, un orinal firmado con seudónimo que tituló Fuente, constituye uno de los iconos más significativos del arte del siglo XX.



ANDRES SERRANO
Andrés Serrano (nació el 15 de agosto de 1950) es un fotógrafo americano que ha llegado a ser relevante por sus fotos de cadáveres, así como por su controvertido trabajo "Piss Christ", una fotografía teñida de rojo de un crucifijo que se sumergió en un envase de cristal con su propia orina.

Andrés Serrano, más que fotógrafo es un pintor con cámara. Necesita plasmar sus ideas, es un conceptualista, que compone y construye su imagen como si de un cuadro renacentista o barroco fuera, con una gran influencia del arte religioso europeo, muy en particular por su simbología. Una vez tiene montado el cuadro, lo fotografía, ya no le preocupa nada más, no hace, como muchos maestros, el revelado de sus imágenes, es algo de lo que "pasa", se lo deja a los técnicos, a él sólo le interesa el proceso creativo.
Sus fotografías suelen ir siempre en grandes colecciones donde trata de modo obsesivo algún tema básico ligado al ser humano, sus imágenes no dejan frío a nadie, o entusiasman o repelen, mete el dedo en la llaga, toca, desmenuza, nos pone ante los problemas, ante los tabúes, no tiene miramiento ninguno, lo muestra tal cual son, juega con nuestro subconsciente.

Para reforzar esa agresividad, Serrano siempre emplea la fotografía de gran formato, quiere transmitirnos las mismas sensaciones que recibió al contemplar los grandes cuadros del Metropolitan.

Los críticos aprecian dos líneas de trabajo:
La abstracción. Es la que emplea en el inició de su carrera, en los años 80, Buena prueba de ello es su serie "Bodily fluids, en la que emplea fluidos de procedencia humana como sangre, orina, semen y leche materna y con ellos crea composiciones abstractas llenas de colorido.

El retrato. En sus retratos no ha buscado reflejar la realidad de una persona, quiere mostrarnos más el personaje, el símbolo que cada uno es, busca más retratar a la sociedad a través de sus miembros que a esas mismas personas, este aspecto alcanzara su máximo en su caleidoscópica serie "América". En muchos casos, en sus series de retratos, nos intenta mostrar a las sociedades



MANUEL ALVAREZ BRAVO
Manuel Álvarez Bravo fotógrafo de la identidad mexicana del siglo XX, artista plástico y visual que durante más de cien años de vida, contribuyó a la definición de nuestro pueblo a través de sus imágenes que nos descubren y nos determinan; nos retratan y nos muestran, desde una legendaria lente y a través de plata sobre gelatina.
Nació el 4 de febrero de 1902 en la ciudad de México, su padre fue un profesor, que de vez en cuando se dedicaba a la fotografía y a la pintura. Álvarez Bravo, antes de dedicarse a la profesión que lo proyectaría a todo el orbe, fue burócrata en varias dependencias, intentó estudiar contaduría, pero en 1915 inició su camino hacia en el quehacer artístico y se inscribió en la Academia de San Carlos para estudiar arte y música.
A pesar de estos estudios, Álvarez Bravo siempre ha sido considerado como autodidacta. Su primera influencia importante en el universo de las imágenes la tuvo en 1923 al conocer al fotógrafo alemán Hugo Brehme, quien lo incitó a comprar su primera cámara. Para 1925 obtuvo su primer premio en un concurso local en Oaxaca. Iniciaba pues, la historia de uno de los grandes fotógrafos de México y del mundo. En el mismo año, contrajo matrimonio con Lola Martínez de Anda, quien años más tarde, asumió la misma profesión.
Por aquellos tiempos conoció a Tina Modotti, Diego Rivera, Pablo O'Higgins, entre otros. Estas amistades lo estimularon ideológica y políticamente hacia el carisma social que distingue toda su obra: plasmar la cultura e identidad mexicanas, con una visión que va más allá de una simple documentación, adentrándose con gran imaginación en la vida urbana y la de los pueblos, los campos, la religión, el paisaje y las tradiciones.

En 1930, tras la salida del país de Tina Modotti, colaboró con Diego Rivera en la revista Mexican Folkways fotografiando el trabajo de los muralistas y al mismo tiempo expuso en el Museo de Arte de Berkeley, en California.

Ese mismo año, se dedica por completo a la profesión fotográfica y en 1932 realizó su primera muestra individual en la Galería Posada. En esa época compartió exposiciones con el famoso fotógrafo francés Henri Cartier-Bresson en las salas del Palacio de Bellas Artes, fascinando a André Breton, quien descubrió en su trabajo un surrealismo innato, y en 1935 le organizó una exposición en París que sería trascendental en su trayectoria artística.
En 1936 expuso en la Galería Hipocampo del poeta mexicano Xavier Villaurrutia. Durante este periodo se adentró en la experiencia de nuevas soluciones que lo apartaron por completo del lenguaje visual desarrollado por los artistas de la lente que lo antecedieron, empleando elementos que dan mayor énfasis a la capacidad para evocar imágenes, a través de los sugestivos títulos de sus fotografías, basadas en la cultura y en la tradición mexicanas, que denotan una gran perspicacia y, en ocasiones, un fino sentido del humor.
La década de los cuarenta, marcó el inicio de Álvarez Bravo en el mundo cinematográfico. Trabajó al lado del cineasta ruso Sergei Eisenstein en ¡Viva México!, y participó en rodajes de personalidades como John Ford y Luis Buñuel. Asimismo, en 1944, fue realizador del largometraje Tehuantepec, así como de los cortometrajes Los tigres de Coyoacán, La vida cotidiana de los perros, ¿Cuánta será la oscuridad? (con el escritor José Revueltas) y El obrero (con también escritor Juan de la Cabada). Es en esta década cuando consolida su madurez artística (que aún perdura), mediante recursos tales como la yuxtaposición, el aislamiento de detalles y el ordenamiento con rigor geométrico. Ello dio como resultado el manejo simultáneo de lo familiar y lo inesperado, generando una ambigüedad que invita al espectador a ver con nuevos ojos las cosas cotidianas y a construir su propio significado.

Durante una larga trayectoria nacional e internacional, que culminó con su muerte física el 19 de octubre del 2002, Álvarez Bravo acumuló experiencias, premios, reconocimientos, exposiciones, incluso gran parte de su labor ha consistido en reunir y dar a conocer importantes colecciones fotográficas, así como la creación del Primer Museo de la Fotografía en México. Dentro de sus premios destacan los siguientes: Premio Nacional de las Artes (México, 1975), Condecoración oficial de la Ordre des Arts et Lettres Français, en 1981, Premio Víctor Hasselblad (Suecia, 1984) y el Master of Photography del ICP (Nueva York, E.U.A, 1987).

Las imágenes, matriz de la obra de Manuel Álvarez Bravo registran personas, lugares y objetos que reflejan nuestra historia; contando un secreto, que no sólo tiene que ver con nuestra tierra, paisajes y tradiciones, sino que nos tocan en lo personal. Son imágenes relacionadas con nuestras ilusiones, nuestros fracasos, nuestras esperanzas, y que nos transportan hasta los recuerdos de la infancia. Este es el elemento poético que lo distingue y que al mismo tiempo lo hace universal.


Misha Gordin
fotógrafo ruso nacido en 1945 dedicado por completo a la fotografía conceptual de una brillante manera. Como él mismo escribe:
Soy el que toma las fotografías de la realidad existente, o creando mi propio mundo, tan verdadero pero no existente. Los resultados de estos dos acercamientos tan opuestos son notablemente diferentes y, en mi opinión, la fotografía conceptual es una forma más alta de expresión artística que pone la fotografía en el nivel de la pintura, de la poesía, de la música y de la escultura. Emplea el talento especial de la visión intuitiva. Traduciendo los conceptos personales en la lengua de la fotografía, reflejando las respuestas posibles a las cuestiones importantes de ser: nacimiento, muerte y vida.



Richard Avedon
(Nueva York, 15 de mayo de 1923 - San Antonio, Texas, 1 de octubre de 2004) fue un fotógrafo estadounidense.
Reputado fotógrafo de modas y gran retratista, comenzó su carrera profesional en los años 1950 realizando espléndidos trabajos de moda para la revista Harper's Bazaar, donde acabó convirtiéndose en Jefe de Fotografía. Posteriormente, habría de colaborar igualmente con otras revistas como Vogue, Life y Look. Sin duda alguna, fue el gran fotógrafo de la moda durante los años 1960 y 70. En sus trabajos consiguió elevar la fotografía de moda al rango de lo artístico, al conseguir acabar con el mito de que los modelos debían proyectar indiferencia o sumisión. Por el contrario, en sus fotografías los modelos eran personajes libres y creativos en sus gestos dentro de escenarios dinámicos y bajo esquemas compositivos previamente decididos.
En el año 1979 comenzó el que habría de convertirse en uno de sus trabajos más importantes. Por encargo del Museo Amon Carter, de Fort Worth, Texas, Avedon dedicó cinco años a recorrer el oeste de los Estados Unidos para documentar a las personas que nunca escribirían la historia de su país. En esta obra, titulada In the american west, nos presenta a granjeros, mineros, vagabundos, prostitutas, amas de casa, presos, vaqueros de rodeo o empleados de pequeñas oficinas, etc. en fotografías de gran formato tomadas con luz de día, al aire libre y como siempre, ante un fondo blanco. Nada hay en ellos del sueño americano o de la tierra prometida, pero son retratos de individuos que han sido observados y artísticamente elevados por la cámara de Avedon mediante una composición sobria, logrando así una considerable fuerza expresiva.

Al término del proyecto, Avedon había recorrido un total de 189 poblaciones en 17 estados; había fotografiado a 752 personas utilizando alrededor de 17.000 placas de película. De ésta colección, escogió 123 retratos que conformarían la serie In the american west 1979 – 1984.
Además del gran formato utilizado para sus fotografías de moda o retratos, desarrolló una obra en paralelo, utilizando el paso universal, que refleja sus vivencias más personales, como viajes o recuerdos familiares.
Algo muy profundo subyace a lo largo de toda la obra de Avedon y, sin embargo, no siempre se ha acertado a concretar en los trabajos realizados en torno a su figura. Es una preocupación sincera, pero a veces elegantemente obsesiva. El tiempo, la vejez y sus tensiones, resulta ser el motivo fundamental en la obra de Avedon. Vemos en su arte cómo nos habla directamente del paso del tiempo y su influencia en el ser humano, y, cómo no, del camino hacia la muerte. Son esos retratos descontextualizados que aparecen ante la cámara sin maquillaje, fatigados o tristes, tal y como se encontraban en ese momento, los que claramente denotan esta inquietud. El final de su libro Portraits (1976), por ejemplo, culmina de forma tremenda pero magistralmente tratada con una serie de siete fotografías de su padre envejeciendo gradualmente hasta que parece haberse integrado en la luz que le rodea.
El 25 de septiembre de 2004 Avedon sufrió una hemorragia cerebral en San Antonio, Texas, mientras se encontraba en una sesión fotográfica para un proyecto encargado por la revista The New Yorker, el cual se titulaba «On democracy», y se enfocaba en el proceso electoral del 2004 en los Estados Unidos; se trataba de retratos de candidatos, delegados de las convenciones nacionales, entre otros involucrados en el tema. Murió en la misma ciudad el 1 de octubre de ese año a consecuencia de las complicaciones médicas.
En el año 1991 recibió el Premio internacional de la fundación Hasselblad



Oliviero Toscani
Oliviero Toscani (n. 1942, Milán) es un fotógrafo italiano, reconocido principalmente por sus campañas publicitarias diseñadas para la marca de ropa Benetton, las cuales provocaron controversia en las décadas de 1980 y 1990.

Estudió fotografía en Zúrich, Suiza, entre 1961 y 1965. Entre 1982 y 2000, Toscani trabajó para Benetton, contribuyendo al crecimiento de la marca United Colors of Benetton hasta ser una de las marcas más reconocidas mundialmente.

Una de sus campañas más famosas incluía una fotografía de un enfermo de SIDA agonizando en una cama de hospital, rodeado de familiares dolientes. Otras, incluían alusiones al racismo, la guerra, la religión y la pena capital. En 1990, Toscani fundó la revista Colors (propiedad de Benetton), junto con el diseñador gráfico Tibor Kalman. Bajo el lema "una revista sobre el resto del mundo", Colors explotaba el multiculturalismo prevalente en la época, así como a las campañas publicitarias de Benetton. La línea editorial era independiente de la marca de ropa. En 1993, Toscani creó Fabrica, un centro de investigación sobre el arte en la comunicación; y encargó el diseño al arquitecto japonés Tadao Ando.

En 2005, Toscani levantó polémicas nuevamente, cuando hizo fotografías para la campaña publicitaria de la marca de ropa masculina "Ra-Re". Los retratos aludían al homosexualismo masculino, de un modo que enardeció a diversos grupos que debatían los derechos homosexuales.

Además de trabajar con Benetton, Toscani ha sido el diseñador de campañas publicitarias para Esprit, Valentino, Chanel y Fiorucci. Las campañas de Toscani han ganado cuatro veces el premio Lion d'Or en el Festival de Cannes. Personalmente, Toscani ha recibido, entre otros premios, el UNESCO Grand Prix, y dos veces el premio Grand Prix d'Affichage. Ha tenido exposiciones individuales, en orden cronológico, en las ciudades de Venecia, Sao Paulo, Milan, ciudad de México, Helsinki, Roma y otras catorce ciudades



Lauren Greenfield
La aclamada fotógrafa Lauren Greenfield se considera una cronista por excelencia de la cultura juvenil, como resultado de sus proyectos revolucionarios Chica Cultura y Fast Forward. Ella fue nombrada por la American Photo como uno de los 25 fotógrafos más influyentes que trabajan hoy en día (mayo / junio, 2003).

Su obra está en numerosas colecciones más importantes, incluyendo el Art Institute de Chicago, Los Angeles County Museum of Art, el Museo Getty, el Museo de San Francisco de Arte Moderno, el Centro Internacional de Fotografía, el Center for Creative Photography, el Museo de Bellas Artes (Houston), el Museo de Arte del Smith College, el Archivo de la Universidad de Harvard, la Biblioteca de Clinton, y el Ministerio de Cultura francés. Está representada por el / Pace MacGill Gallery, Nueva York y el / Fahey Klein Gallery en Los Angeles.

De Greenfield primer largometraje documental de longitud, delgado, transmitido por HBO, y se acompaña de un libro de fotografía del mismo nombre (Chronicle Books, 2006). En este estudio inquebrantable e incisivo, Greenfield se embarca en un viaje emocional a través del Centro Renfrew, en Coconut Creek, Florida, un centro residencial dedicado al tratamiento de los trastornos alimentarios. El largometraje documental se estrenó en el Festival de Cine de Sundance en 2006 y fue nominado para un Emmy por la Mejor Dirección en 2007. Ganó el Premio Grierson al Mejor Documental en el Festival de Cine de Londres, y el Gran Premio del Jurado en el Festival de Cine Independiente de Boston, el Festival Internacional de Cine de Newport, y el Jackson Hole Film Festival. El proyecto fue presentado en The Today Show, Good Morning America, Nightline, y CNN, y se extrajo en la revista People. El libro de Thin fue honrada por la 2007 International Photography Awards, así como la Galería de Noticias del Distrito anuales.

Greenfield de seguimiento de corto, "niños + dinero", se estrenó en el Festival de la AFI y ganó el Premio del Público Shorts. "Kids + dinero" también fue seleccionado en el Programa de Cortos Oficial en el Festival de Cine de Sundance (enero de 2008). Desde entonces, ha ganado numerosos premios, incluyendo ser elegido como uno de los cinco cortos de ficción en el mundo por Cine Ojo Honores 2009. El corto también obtuvo el Premio de Michael Moore al Mejor Documental en el 2008 Festival de Cine de Ann Arbor, la Placa de Oro, Documental: político-social de los premios de televisión, Hugo 2008, y Mejor Corto Documental en Kids First Film Festival 2008. La película 32 minutos es una conversación con jóvenes de diversas comunidades de Los Ángeles sobre el papel del dinero en sus vidas. De ricos a pobres, Pacific Palisades Este de Los Angeles, dirección de la forma en que los niños están conformados por una cultura de consumismo. "Kids + dinero" ha sido licenciado a HBO en América del Norte, y muchas emisoras principales en el mundo.

Greenfield se graduó de Harvard en 1987 y comenzó su carrera como pasante para National Geographic. Desde 1991, sus fotografías se han publicado regularmente en revistas como The New York Times Magazine, Time, Vanity Fair, People, National Geographic, Stern, The New Yorker, ELLE, Harper's, Harper's Bazaar, Marie Claire, The Guardian, y el domingo Times Magazine. Ella ha recibido numerosos premios, incluyendo el Centro Internacional de Fotografía de Infinity Award, la concesión de Hasselblad, el Premio de sensibilización de la comunidad de la Asociación de Fotógrafos de Prensa Nacional, y la elección del pueblo del Premio Bienal de Moscú.
Ella vive en Venice, California con su marido, Frank Evers, y sus dos hijos, Noah y Gabriel.


Cindy Sherman
Artista estadounidense. Estudia arte en el Buffalo State College de Nueva York entre 1972 y 1976, dedicando una especial atención a la fotografía. Hasta 1986 realiza únicamente autorretratos fotográficos con los que intenta parodiar el tema de la mujer estereotipada: situándose en diferentes escenarios, sus imágenes en blanco y negro y de pequeño formato dan paso a otras en color y de formato más grande. En ellas, el humor va desde la muda introspección hasta la sensualidad más provocativa, desatándose el horror y la repulsión a finales de los ochenta. Sus formas cercanas y sus mensajes irónicos, asimilan la tiranía visual propia de la televisión, la publicidad y las revistas, guardando así cierta semejanza con el trabajo de Longo y Prince. El paso a un formato cada vez más grande va en paralelo a la fragmentación de la representación de la figura de Sherman como protagonista, tendiendo algunos de sus temas a la violecia, la crítica política o el erotismo. Tanto el MoMA como la Tate Modern de Londres, poseen un amplio repertorio de su obra.


Romualdo García

LINEA DEL TIEMPO

antigüedad: Cámara obscuras utilizan para formar las imágenes en las paredes en cuartos oscuros, la formación de imágenes a través de un agujero de alfiler
Siglo 16: brillo y la claridad de cámaras oscuras mejorado mediante la ampliación del agujero de la inserción de una lente de telescopio
Siglo 17: cámaras oscuras de uso frecuente por los artistas y hacerse portátil en forma de sillas de manos
1727: Profesor J. Schulze mezclas de cal, ácido nítrico, y la plata en un matraz; avisos en el lado oscuro de la mufla expuestos a la luz solar. La creación accidental de la primera foto compuesto de minúsculas.
1800: Thomas Wedgwood hace "imágenes del sol" mediante la colocación de objetos opacos en cuero tratados con nitrato de plata, las imágenes resultantes se deterioró rápidamente, sin embargo, si se muestra bajo la luz más fuerte que la de las velas.
1816: Nicéphore Niépce combina la cámara oscura con papel fotosensible
1826: Niépce crea una imagen permanente 1
1834: Henry Fox Talbot crea permanentes (negativo) utilizando imágenes de papel empapado en cloruro de plata y fija con una solución salina. Talbot creó una imagen positiva mediante la impresión de contacto a otra hoja de papel.
1837: Louis Daguerre crea imágenes en cobre plateado, cubierto con yoduro de plata y "desarrollados" con el mercurio calentado; Daguerre se concede una pensión del Estado por el gobierno francés a cambio de la publicación de los métodos y los derechos de otros ciudadanos franceses para utilizar el proceso de daguerrotipo.
1841: las patentes Talbot su proceso bajo el nombre "calotipo".
1851: Frederick Scott Archer, un escultor en Londres, mejora la resolución fotográfica mediante la difusión de una mezcla de colodión (algodón nitrados disuelto en el éter y alcoohol) y productos químicos en las hojas de vidrio. Colodión húmedo sobre placa de la fotografía era mucho más barato que los daguerrotipos, el negativo / positivo proceso permite la reproducción ilimitada, y el proceso fue publicado, pero no patentada.
1853: Nadar (Félix Toumachon) abre su estudio fotográfico en París
1854: Adolphe Disderi desarrolla carta-de-visite la fotografía en París, lo que lleva en auge en todo el mundo en los estudios de retrato para la próxima década
1855: inicio de la era estereoscópica
1855-57: Direct imágenes positivas sobre vidrio (ambrotipos) y metal (ferrotipos o ferrotipos) populares en los EE.UU..
1861: El físico escocés James Clerk Maxwell muestra un sistema de fotografía en color que incluye tres fotografías en blanco y negro, cada uno tomado a través de un filtro rojo, verde o azul. Las fotos se convirtieron en diapositivas y proyectados en el registro con los filtros del mismo color. Esta es la "separación de colores" método.
1861-65: Mathew Brady y el personal (en su mayoría personal) se refiere a la Guerra Civil Americana, la exposición de 7000 negativos de
1868: Ducas de Hauron publica un libro propone una variedad de métodos para la fotografía en color.
1870: Centro de período en el que el Congreso de EE.UU. envió fotógrafos a Occidente. Las imágenes más famosas fueron tomadas por William Jackson y Tim O'Sullivan.
1871: Richard Leach Maddox, un médico Inglés, propone el uso de una emulsión de gelatina y de bromuro de plata en una placa de vidrio, la "placa en seco».
1877: Eadweard Muybridge, nacido en Inglaterra, como Edward Muggridge, resuelve "hacer cuatro cascos de un caballo nunca dejar el terreno en la apuesta una vez" entre los ricos de San Francisco por el tiempo la fotografía de la secuencia de caballos de Leland Stanford.
1878: placas secas se están fabricando comercialmente.
1880: George Eastman, de 24 años, establece en seco del mural de la empresa Eastman en Rochester, Nueva York. Primera fotografía de medio tono aparece en un periódico diario, el gráfico de Nueva York.
1888: Primera cámara Kodak, que contiene un rollo de 20 metros de papel, suficiente para 100 2.5 pulgadas de diámetro fotos circulares.
1889: Mejora de la cámara Kodak con rollo de película en vez de papel
1890: Jacob Riis publica ¿Cómo vive la otra mitad, las imágenes de la vida tenament en la ciudad de Nueva York
1900: Kodak Brownie-roll cuadro de la cámara de cine presenta.
1902: Alfred Stieglitz organiza "Foto secesionistas" mostrar en Nueva York
1906: Disponibilidad de la película en blanco y negro pancromática y por lo tanto de color de alta calidad en fotografía de separación de colores. JP Morgan, Edward Curtis finanzas para documentar la cultura tradicional de los indios de América del Norte.
1907: Primera película en color comercial, las placas Autocromo, fabricado por los hermanos Lumière en Francia,
1909: Lewis Hine contratado por EE.UU. National Child Labor Committee fotografía a los niños que trabajan las fábricas.
1914: Oscar Barnack, empleado por el fabricante alemán de microscopio Leitz, desarrolla cámara con el marco de 24x36mm moderno y sprocketed película de 35 mm de película.
1917: Nippon Kogaku KK, que eventualmente se convertirá en Nikon, establecida en Tokio. 1921: Man Ray comienza la captura de fotogramas ( "rayographs") colocando objetos sobre papel fotográfico y la exposición de la sombra proyectada por un foco distante; Eugegrave; ne Atget, de 64 años, asignado a la fotografía de los burdeles de París
1924: Leitz mercados de un derivado de la cámara de Barnack comercialmente como "Leica", la cámara de alta calidad de primera de 35 mm.
De 1925: André Kertész se mueve de su natal Hungría a París, donde comienza un proyecto de 11 años fotografiando la vida de la calle
1928: Albert Renger-Patzsch publica el mundo es bello, primeros planos haciendo hincapié en la forma de los objetos naturales y artificiales; Rollei presenta la doble Rolleiflex réflex producir una imagen de 6x6 cm en Rollfilm.; Karl Blossfeldt publica formas de arte en la naturaleza
1931: Desarrollo de la fotografía estroboscópica de Harold ( "Doc") Edgerton en el MIT
1932: Creación del technicolor de las películas, donde tres negativos en blanco y negro se hicieron en la misma cámara bajo diferentes filtros, Ansel Adams, Imogen Cunningham, Willard Van Dyke, Edward Weston, y otros, forman el Grupo f/64 dedicada a la "recta fotográfica el pensamiento y la producción "., Henri Cartier-Bresson compra una Leica y comienza una carrera de 60 años fotografiando a gente; El 14 de marzo, George Eastman, de 77 años, escribe la nota de suicidio -" Mi trabajo está hecho. ¿Por qué esperar? "-- y se dispara.
1933: Brassaï publica París de nuit
1934: Fuji Photo Film fundado. En 1938, Fuji es hacer las cámaras y lentes, además de la película.
1935: Farm Security Administration contrata Roy Stryker para ejecutar una sección histórica. Stryker, contratarían a Walker Evans, Dorothea Lange, Arthur Rothstein, et al. las dificultades para fotografiar las zonas rurales durante los próximos seis años. Roman Vishniac comienza su proyecto del pronto-a-ser muerto por sus vecinos de Judios de Europa Central y Oriental.
1936: Desarrollo de Kodachrome, los múltiples colores de primera película en color en capas, el desarrollo de Exakta, pionero de la cámara de 35 mm réflex (SLR), Segunda Guerra Mundial: Desarrollo de multi-capa de color negativo películas Margaret Bourke-White, Robert Capa, Mydans Carl, y W. Eugene Smith cubrir la guerra para la revista Life
1947: Henri Cartier-Bresson, Robert Capa, David Seymour y comenzar el fotógrafo de propiedad de la agencia Magnum de foto 1948: Hasselblad en Suecia ofrece su primer medio-SLR de formato para la venta comercial, Pentax presenta en Japón el diafragma automático; Polaroid vende instantánea en blanco y negro de cine 1949: Alemania Oriental Zeiss desarrolla la Contax S, primera réflex con una imagen no invertida en un visor pentaprisma 1955: Edward Steichen curas Familia de la exhibición en el Museo de El hombre de Nueva York de Arte Moderno
1959: Nikon F introducido.
1960: Garry Winogrand comienza fotografiando a las mujeres en las calles de Nueva York.
1963: Primera película en color instantánea desarrollada por Polaroid, lanzado por Kodak Instamatic, fines del primer submarino construido introducido, el Nikonos
1970: William Wegman comienza fotografiando su Weimaraner, Man Ray.
1972: 110-cámaras de formato introducido por Kodak con un marco de 13x17mm
1973: C-41 de color proceso negativo introducido, en sustitución de C-22
1975: Nicholas Nixon toma su primera fotografía anual de su esposa y sus hermanas: "Las Hermanas Brown", Steve Sasson de Kodak construye el primer trabajo basado en CCD cámara de fotos digital De
1976: primera exposición individual de fotografías a color en el Museo de Arte Moderno, Guía de William Eggleston
1977: Cindy Sherman comienza a trabajar en Untitled Film Stills, terminado en 1980, Jan Groover comienza la exploración de los utensilios de cocina
1978: Hiroshi Sugimoto inicia las obras de paisajes marinos.
1980: Elsa Dorfman comienza con la toma de retratos de 20x24 "Polaroid.
1982: Sony Mavica demuestra "fijas de vídeo" de la cámara 1983: Kodak introduce la cámara de disco, utilizando un marco de 8x11mm (el mismo que en la cámara espía de Minox)
1985: Minolta mercados el primer sistema SLR de enfoque automático (llamado "Maxxum" en los EE.UU.), en el oeste americano de Richard Avedon
1988: Sally Mann comienza a publicar fotos de desnudos de sus hijos
1987: El sistema EOS de Canon presentó, con un objetivo totalmente nueva montura electrónica 1990: Adobe Photoshop en libertad.
1991: Kodak DCS-100, primera réflex digital, una vez Nikon F3
1992: Kodak introduce PhotoCD 1993: Fundación de photo.net (este sitio web), una antigua comunidad en línea de Internet; Sebastiao Salgado publica los Trabajadores, Mary Ellen Mark edita un libro que documenta la vida en un circo indio.
De 1995: Material World, de Peter Menzel publicados.
1997: Rob Silvers publica Photomosaics 1999: Nikon D1 SLR, 2,74 megapíxeles por $ 6000, el primer motivo-up DSLR diseño de un fabricante líder.
2000: Teléfono con cámara introducida en Japón por Sharp / J-Phone
2001: Polaroid va a la quiebra
2003: Cuatro Tercios estándar para cámaras réflex digitales compactas introdujo con la Olympus E-1, Canon Digital Rebel introducido por menos de $ 1000 De 2004: Kodak cesa la producción de cámaras de película de 2005: Canon EOS 5D, primer consumidor de precio full-frame digital SLR, con un sensor CMOS de 24x36mm por $ 3000; Retratos de Rineke Dijkstra,
2009: Olympus presentara camaras digitales resistentes al agua. Lo que destaca porque, de ser ciertos los rumores que se han publicado, al parecer estas cámaras serán resistentes a los golpes, a las rayaduras, al polvo y al agua.

IMAGENES PINHOLE

Una cámara estenopeica es una cámara fotográfica sin objetivo. La luz produce una imagen que pasa a través de un pequeño agujero. Para producir una imagen nítida es necesario que esta apertura sea muy pequeña, del orden de 0,5 mm (1/50 pulgadas). El obturador de la cámara normalmente consiste en un material que no permite el paso de luz con el que manualmente se tapa el agujero. El tiempo de exposición normalmente es mucho mayor al necesario con cámaras convencionales debido al tamaño de la apertura, pueden ir desde 5 segundos hasta más de una hora.

La imagen puede ser proyectada sobre una pantalla translúcida para poder verse simultáneamente (común para eclipses solares), o sobre una película, o sobre un sensor digital CCD.

" El arte de la aprehensión de las imagenes y el unicornio "

Este libro habla sobre la relación del autor de éste, Carlos Jurado, y su relación con la cámara oscura y el arte de aprehender imágenes. No podemos concebir la época actual sin la fotografía, ya que no existe una sola actividad humana en que el manejo de las imágenes no esté presente.
Muchos siglos atrás, los magos practicaban una actividad que ellos creían era mágica que consistía en el arte de la aprehensión de las imágenes, lo cual viene siendo lo que hoy conocemos como fotografía, esto solo se trataba del desarrollo de un fenómeno físico.
En la actualidad todos conocemos una cámara fotográfica, pero la mayoría desconocemos sus principios físicos, que en si son los mismos que los de su predecesora, la cámara oscura, solo que mejorada con cientos de tornillitos y resortes.
El descubrimiento de la cámara oscura fue atribuido a Leonardo Da Vinci, tal vez porque fue el primer hombre de la era moderna en utilizarla de manera práctica. En realidad nunca sabremos quién o quiénes fueron los que descubrieron el fenómeno físico que la origina.
La cámara oscura tiene una segunda historia, que en realidad vendría a ser la primera, pero hablaremos de ella más adelante, pero antes, hablemos del unicornio.
Un unicornio es un fabuloso animal con cuerpo de caballo y con un cuerno recto en medio de la frente. Rinoceronte-Marfil fósil de mastodonte, que creyeron los antiguos procede del Unicornio-Marino. Narval.
En el año de 1913, se celebró en Budapest un Congreso Internacional de Zoólogos. El representante de Rumania, Dr. Roman Landescu, fue entrevistado acerca del Unicornio por Jonas Spaulding, corresponsal de la revista norteamericana Golden Bird. Ésta fue una charla informal en la que el doctor le planteo al reportero que los unicornios pudieron haber existido hace cientos, miles o millones de años y que pudieron ser el resultado de la cruza de un caballo con una gacela.
Hubo épocas en que los unicornios fueron dados por reales, pero, posteriormente, cuando el hombre dejó de verlos, pasaron a la Historia como un mito. Efectivamente existieron, y hay pruebas, que adelante presentaremos, que lo confirman. Desde el siglo IV, magos y alquimistas investigaron fenómenos relacionados con la luz y las imágenes.
De este libro no existen ejemplares en ninguna biblioteca. El único conocido es propiedad del Sr. Irving Collingwood, quien proporcionó los datos y una copia fotográfica de la portada.

En él también se relata cómo Fata Morgana, hechicera de la corte y hermana de Arturo, celosa del prestigio de Merlín logró robar secretos del mago para tratar de utilizarlos. Entre ellos éste: "El ojo de la caja mágica deberá ser perforado con un cuerno de Unicornio. De no ser así, la caja resultará por completo inefectiva." Así, Merlín fue el iniciador de aquella creencia (que perduró hasta el siglo XI) de que sólo el cuerno de Unicornio servía para perforar cajas mágicas y por ello resultó, indirectamente, responsable de su extinción.
Muchas situaciones que consideramos irreales no lo son. Desentrañar y manejar fenómenos físicos, no es tan complicado como parece. Hace muchos siglos, hubo hombres que investigaron y resolvieron aspectos que para nosotros todavía son un misterio.
Uno de los hechos más lamentables de la historia, fue la destrucción de la Biblioteca de Alejandría por orden del califa Omar. Es de suponer que esta biblioteca contenía secretos maravillosos que, al perderse, retrasaron en siglos algunos aspectos del conocimiento humano.
El unicornio, como en realidad, muere con Adojuhr. La última noticia que de él se tiene, antes de que su pista se perdiera para siempre, fue la que reportó un pastor vasco ante el jefe de la policía de Tolosa, Guipuzcoa, el 12 de mayo de 1824.
Shanti Larrucea, natural del mismo sitio, de 54 años de edad, dijo que en pleno uso de sus facultades y sin haber ingerido bebida embriagante de ninguna clase vio, en un claro de la montaña, pastar un caballo que tenía un cuerno muy grande, parecido al dibujo que sobre unas rocas, existía desde tiempos inmemoriales por aquella zona.
En este somero relato de hechos desconocidos u olvidados, hemos visto la estrecha relación entre el Unicornio y la cámara oscura.
Se debe tener presente que, en aquellos tiempos, la magia era una práctica que se confundía con el estudio de los fenómenos naturales. Es probable que el cuerno de Unicornio, animal tan bello y raro, haya sido elegido para la perforación de cajas mágicas por varias razones:
1. Por haberse considerado que tenía cualidades mágicas.
2. Por su extrema dureza, que no permitía desgastes en la fina punta, o
3. Por haberlo relacionado con los órganos de reproducción. Para algunas culturas, el Unicornio era un símbolo de virilidad.

Sea como fuera, la cámara oscura y el Unicornio, han quedado ligados de modo indisoluble, en lo que se refiere al legendario "Arte de la aprehensión de las imágenes."
El viejo deseo humano de aprehender el movimiento y que tiene sus antecedentes en los primeros dibujos pre-históricos, en la pintura y en las sombras chinescas, se concretiza con la fotografía.
El ojo retiene momentáneamente la imagen que antecede a otra. El movimiento en el cine es una ilusión óptica que se consigue relacionando una secuencia de imágenes que se desplazan cronológicamente.
El cine empieza a perfilarse con Le Prince, un francés con residencia en Londres quien, usando la película en rollo que fabricaba Eastman Kodak y una cámara de varios lentes, logra captar veinte imágenes por segundo. Pero estas imágenes no pueden proyectarse, pues se carece, todavía, de un mecanismo adecuado para este fin.
Tomás Alva Edison construye en 1891 su quinetoscopio y con él los americanos tratan de adjudicarse la paternidad del cine. Pero el quinetoscopio es un limitado aparato que, aun usando una banda de película perforada, sólo permite la observación individual de las imágenes que se desplazan ininterrumpidamente antes los ojos del espectador. Tiene, no obstante, un atractivo novedoso, ya que dichas imágenes corren acompañadas de música fonográfica.
Para dar una idea correcta del movimiento continuo, es necesario que de una imagen a otra haya un pequeño alto. Es decir, la imagen tiene que detenerse por una fracción de segundo, suficiente para que el ojo la retenga. Sin esta característica no podrían funcionar ni la cámara cinematográfica ni el proyector.
El 13 de febrero de 1895, los hermanos Augusto y Luis Lumière, patentan en París una máquina extraordinaria con la cual culminan las búsquedas y realizaciones de muchos hombres. La máquina de los hermanos Lumière tiene la propiedad de ser, a la vez, cámara y proyector cinematográficos, sintetizando así, en una sola unidad, la cámara oscura y la "linterna mágica" del Padre Kircher.
Desde la obtención de la primera imagen fotográfica hasta llegar al cine, no ha estado sólo presente el ingenio de algunos individuos. Todo fue posible por la participación de muchísimos seres - la mayor parte anónimos - y el esfuerzo de los que, inclusive, pagaron con la vida su ansiedad experimental. Nunca sabremos a ciencia cierta, dónde se originó la primera cámara oscura ni a dónde llegaremos en el futuro con ella.

EL JARDIN DE LAS DELICIAS - JERONIMO BOSH

Principalemte al momento de analizar este apintura se pueden observar diferentes facetas de ka vida no solamente del ser humano sino de la tierra y los seres vivos.


1er pintura (izquierda):
Expresa en mi, como si esto fuera el creacionismo, donde poco a poco se van generando dif. seres vivos y van apareciendo mas y mas, segun por alguna fuerza ajena como en el caso del creacioniso, seria Dios.


2da pintura:Primeramente al momento de analizar esta pintura, pude observar variaciones de seres vivos, expresa en mi, una armonia mundial, como si este fuese el paraiso, por lo que se visualiza un ambiente muy ameno entre difrentes tipos de seres vivos, donde todos pueden convivir tranquilamente sin conflictos sociales o de cualquier tpo, en esta figura que nos refleja Jeronimo se ve reflejada la paz y calidez que es lo que mantiene a este lugar como un paraiso para cualquier persona.


3era pintura:span>
En esta se expresa, como el ser vivo y no solo ellos, sino los humanos por su avaricia, peleas, envidia y algunos antivalores terminan por despedazar el lugar tan ermoso qye nos brindo la naturaleza, como destruyeron por avances tecnologicos y problemas entre seres humanos, acabaron con la vida de muchas especies y dan un giro a lo que era el paraiso convirtiendolo asi en un infierno.

En si lo que se aprecia es un infierno que el mismo humano convirtio.

Connotativo - Dennotativo

Que es Connotativo?strong>

Al que posee palabras y expresiones cuando se les da un significado personal e indibidual subjetivo que no figura en el diccionario y por lo tnto se opone a la denootacion o significado objetivo.
ejemplo: La palabra kider posee el significado connotativo de niños

Que es Dennotacion?strong>

Es cuando el texto es totalmente objetivo y va directo al punto
ejem: sueño: bostezo

Mapa conceptual